Выставки


АНОНС! ВЫСТАВКА ,,ВЛАДИМИР СМИРНОВ. САД ПОЭТА,,



Время проведения: 11 февраля – 12 марта 2023 года

Место проведения: Поленовская дача Музея-заповедника «Абрамцево»


В рамках Соглашения о партнерском сотрудничестве между Музеем-заповедником «Абрамцево» и Муниципальной художественной галереей г. Костромы в Поленовской даче Абрамцевского музея с 11 февраля по 12 марта состоится выставка «Владимир Смирнов. Сад Поэта». Выставка приурочена к 75-летию со дня рождения скульптора. Выставочная деятельность Абрамцевского музея не ограничивается воплощением идей, связанных с многолетним изучением собственной коллекции. Интерес и значительные усилия его сотрудников часто бывают направлены на реализацию проектов, иллюстрирующих страницы истории изобразительного искусства ХХ века и дополняющих пробелы музейной экспозиции. Выставка «Сад Поэта» знакомит с творчеством «костромского Джакометти», воплощавшего в пластических композициях свои чувства.

Владимир Васильевич Смирнов (1948–2003) родился и всю жизнь прожил в Костроме. Работал в скульптуре, графике, писал стихи. В 1968 году окончил Ярославское художественное училище. В 2012-м в Художественной галерее открылся зал В. Смирнова «Сад Поэта». В 2015 году наследие В.В. Смирнова постановлением администрации Костромской области отнесено к объектам культурного достояния Костромской области.

Выставки из наследия скульптора прошли в Ярославском художественном музее (2009), Тверском городском музейно-выставочном центре (2010), Художественной галерее Данилова (2011), Государственном литературно-мемориальном музее-заповеднике Н.А. Некрасова «Карабиха» (2013), галерее «Красный Мост», Вологда (2014). На выставке в Музее-заповеднике «Абрамцево» скульптурные портреты 1970−1990-х годов (бронзовые отливки и гипсовые модели) и графические изображения, существующие «на полпути между бытием и ничто», соберутся в «Сад Поэта».

Причудлив мир Владимира Смирнова, взыскующ. По драматическому напряжению, по тонкости и остроте образных трактовок можно судить о степени отдачи художника творчеству. Вот строки из его дневников: «Хотелось бы, что всё, что суждено мне сделать, могло бы назваться понятием Сад Поэта. Моё понимание Мира, моё его освоение и познание. Мои предложения пластических высказываний. Реально — это пространство, где будут стоять, находиться мои скульптуры. Там может быть всё разно, и одним, наверное, будет мир моих желаний, мыслей — это будет моё освоение Мира, это будет овеществление именно работы души. И что бы ни случилось, и что бы ни стояло преградой этой мечте, светло пусть будет всё во мне и дай мне Бог силы и любви. 17/II – 92».

«Необыкновенное чувство от пространства большой реки, от белого снега на ней, и, придя в храм свой, мастерскую, это чувство очень похоже на счастье. 15/I – 96».

«Чистота помыслов. Это и чистота линий, это вес, это духовность. Отражение самого себя, своей веры, даже неосознанности — и это категория искусства. Даже удача, даже только накопление, эскиз, просто идея — это разговоры с тайной мира, это контакт, это таинство, это Божий промысел, это работа души. И, если ей в радость, если ей это необходимо, не надо мешать ей в этом труде, не надо отвлекать себя ни на что другое, ибо это главное моё дело на Земле, это моё откровение. 6/III−91».

«Я никогда не говорил о любви много. Просто любовь — моё отношение к миру».

Необычны по образной концепции портреты жены скульптора Нины, один из них — «Пластика» (1988). Портрет метафорический, и каждый кусок пластической ткани вызывает почти физическое ощущение напряжения. Экспрессивная лепка, жёсткий ритм, резкие огрублённые черты, деформация, — средства выразительности, способные передать безмолвное страстное напряжение.

Смирнов часто работал пластилином по гипсу, пытаясь выразить чувство, сдержанное чувство. Добивался лёгкой вибрации формы, по-своему понимаемой классичности. Искал «разговора объёмов», стремился к завершённости формы, уходил от красивости, ценил естественность и простоту: «Мне не нужно никакой выразительности, кроме чувства веса и пространства! 15/I – 88».

В «Саде Поэта» живёт пронизанный печалью образ «Человек в колпаке». В нём угадывается автопортрет самого автора, для многих долгие годы носившего маску шута-неудачника, скрывавшую тонкую душу ребёнка и мудреца одновременно. Ставший символом выставки хрупкий, отточенный профиль «Пьеро в колпаке» тоже имеет несомненное сходство с автором. Парными образам в колпаках являются образы в кокошниках: склонённая женская голова из цикла «На Руси» — выразительный и предельно точно найдённый символ страдающей Руси.

Острые выразительные скульптуры царят в пространстве «Сада Поэта» в союзе с рисунками. В них Смирнов продолжает свой взыскующий монолог: контуры и обтекающие штрихи ткут изображение, сохраняя динамику «живого зрения». «Прибавил напряжения. Есть звучание диссонансов, есть срезы, борозды, боль. И эту нить буду держать. Ещё что-то расскажу о судьбе…»

Сравнение пластики Смирнова с Джакометти строится не на формальных признаках: он не упразднял объёма, не деформировал фигуры до тонкости лезвий, не вводил сквозных конструкций как протест против традиционного пластического языка с его подчёркнутой осязаемостью и весомостью. Возможно, фанатическая поглощённость творчеством, а также отчаяние человека, стремящегося к недостижимому в искусстве — отобразить подлинную жизнь души, роднит Владимира Смирнова с Альберто Джакометти.

«Идея срезов, планов, масс захватила меня, и в этом видится ряд работ. Это как новая эмоция желает себя проявить и ищет выхода, чтобы высказаться. Этот метод требует несокрушимой веры и утверждения, ибо он на грани ничего. Это просто пластика и ощущение независимости. Это требует огромного чувства… 22/IV – 89» (из дневников Владимира Смирнова).










ВЫСТАВКА ,,А МУЗЫКА ЕЩЕ ЗВУЧИТ,,



Время проведения: 20 января – 26 февраля 2023 года

Место проведения: отдел художественных ремёсел Музея-заповедника «Абрамцево»


20 января 2023 года в залах отдела художественных ремёсел Музея-заповедника «Абрамцево» открылась выставка произведений известного художник-графика Людмилы Ермиловой, которую она назвала «А музыка ещё звучит». Художница работает в достаточно редком для современного цифрового мира жанре линогравюры. На выставке предстанут перед зрителями, демонстрируя неповторимый стиль автора и её мгновенно узнаваемую яркую графическую манеру, более шестидесяти линогравюр, созданных художницей в разных форматах за последние пять лет. Большинство из них выставляются впервые. Выставка даёт возможность проникнуть в сложные смысловые и формальные поиски автора, увидеть и вновь оценить богатые возможности древнего и вечно молодого искусства графики. Людмила Григорьевна Ермилова родилась 15 января 1948 года в Мурманске, в семье моряка-штурмана. В родном городе училась одновременно в обычной — общеобразовательной и художественной школе — в студии изобразительного искусства Дворца пионеров и школьников имени А. Бредова. Неизменную искреннюю любовь к Русскому Северу, культуре и традициям русских поморов пронесёт художница через всё своё творчество.

Решив связать судьбу с профессиональным искусством, Людмила Ермилова приехала учится в Абрамцевское художественное училище в Хотьково. Окончила отделение художественной керамики Абрамцевского художественно-промышленного училища (АХПУ) в 1968 году, а затем факультет ткачества и росписи тканей Московского технологического института по специальности «Художественное оформление тканей и изделий из них» (1974). В этом же году Людмилу Григорьевну пригласили в Абрамцевское училище/колледж преподавать рисунок и пластическую анатомию (с 1974), доверили заведовать комиссией по рисунку и скульптуре АХПУ имени В.М. Васнецова. С 2004 года Людмила Ермилова преподавала в должности доцента кафедры дизайна и естественнонаучных дисциплин в Московском государственном гуманитарном университете имени М.А. Шолохова (2004–2015). Город Хотьково стал второй родиной художницы, с которым с этого времени связаны её дальнейшая жизнь и творчество. История и художественные традиции Радонежского края сделались одной из ключевых тем её произведений.

Людмила Ермилова — постоянный участник профессиональных художественных выставок, член Союза художников России (с 1993), заслуженный работник культуры Российской Федерации (1995), действительный член Российской академии народного искусства. Её произведения находятся в Музее-заповеднике «Абрамцево», Московском государственном музее народной графики, Галерее искусств «Дом Ф.И. Шаляпина» в Москве, Художественно-педагогическом музее игрушки в Сергиевом Посаде, в частных собраниях России и за рубежом.

Как художнику, Людмиле Ермиловой подвластен широкий спектр графических техник — карандашный рисунок, акварель и гуашь, рисунок тушью и пером. Широк тематический и жанровый охват её произведений: художница вдохновенно пишет наполненные тонким лиризмом пейзажи, элегантные, изысканно стильные натюрморты, впечатляющие сюжетные композиции. Она блестяще работает в технике книжной графики, является автором иллюстраций к серии книг исследователя и знатока русской игрушки Галины Львовны Дайн.

И всё же наиболее ярко и самобытно дарование Людмилы Ермиловой раскрывается в работах, выполненных в технике линогравюры и ксилографии, расцвеченных акварелью. При этом графические листы Ермиловой — всегда художественное высказывание. Их изобразительный язык сложен и уникален, проникнут искренностью чувства и театральным пафосом, восторженной декоративностью и неистребимым желанием удивлять. Эти работы притягивают внимание, их хочется разглядывать, внимательно вникая, расшифровывая детали, не нарушая целостности первого впечатления. Неотъемлемую содержательную и конструктивную часть графических листов составляют надписи и тексты. Это почти всегда — строки из произведений любимых поэтов и писателей автора, которые передают эмоциональное содержание произведения, раскрывают авторское поэтическое восприятие мира, постижение бытия, авторские жизненные идеи.

Приглашаем зрителей погрузиться в многомерное пространство искусства, наполненное гармонией цвета и формы, авторскими ассоциациями и реминисценциями, утверждающими красоту и жизнь.

Выставка открыта для посещения с 20 января до 26 февраля 2023 года.


















ВЫСТАВКА ,,ВОСТОК. ДВА ВЗГЛЯДА,,



Время проведения: 30 декабря 2022 — 5 февраля 2023

Место проведения: Поленовская дача Музея-заповедника «Абрамцево»


Новая выставка в Музее-заповеднике «Абрамцево» носит название «Восток. Два взгляда». Выставка посвящена 100-летию образования CCCР и представляет произведения Павла Александровича Радимова и Леонида Алексеевича Писарева.

Павел Александрович Радимов (1887–1967) — художник, поэт, основатель Ассоциации художников революционной России (АХРР) и абрамцевского Посёлка художников. Верный провозглашённым принципам декларации АХРР (интерес к особенностям повседневной жизни, хорошее знание народного быта, обрядов и обычаев, правдивость и этнографическая точность в отражении современных реалий), Радимов много путешествовал по стране, писал этюды.

В 1930-е годы он снова побывал в Башкирии, Марийской республике, Чувашии, Узбекистане, Туркмении. Его работы составляют настоящие этнографические циклы. К числу таких циклов относится «азиатский цикл этюдов», из которого, собственно, и построен первый раздел выставки.

Сам художник писал о рождении этого цикла так: «Весной 1935 года я поехал в Азию, чтобы посмотреть свою страну, чтобы описать её в картинах и стихах. Мне, рязанцу и казанцу, было мало видеть свою Оку и великую Волгу, я должен был увидеть Аму-Дарью, я должен был увидеть пустыню Кара-Кум, горы Копет-Дага. От Центрального бюро выставок Союза художников мне, как художнику, предложили поехать в Туркмению. Великую честь я принял с охотой и радостью. Осень прошлого года я прожил в Ашхабаде в Туркмении, где написал шестьдесят этюдов и картин. Азия ошеломила меня. Возник вопрос: почему обязательно свои выставки только в Третьяковской галерее устраивать? Пусть Союз художников создаёт бригады для постоянной работы в республиках Союза. Я бы хотел видеть в каждой республике галерею картин».

Станковые работы художника в разных техниках являются натурными по характеру и сути; портретные этюды выполнены с соблюдением этнографических черт и особенностей. Колорит выдержан в дивной гамме лилово-серых и малиновых оттенков одежды. Радимов стремится к психологической характеристике моделей и к точности костюма, антуража. Работы передают время и народный быт Средней Азии 1930-х годов. Архитектурные пейзажи построены на принципах импрессионизма с сохранением образной структуры. В каком-то смысле эти работы П.А. Радимова намечают в абрамцевской коллекции произведений XX века линию ориентализма.

Термин «ориентализм» используется с начала XIX века для обозначения жанра живописи, родившегося во Франции и ориентированного в основном на отображение ближневосточных и североафриканских сюжетов. Он получил развитие в работах художников Великобритании и других европейских стран. Наиболее известны французские и британские ориенталисты, однако среди приверженцев восточной тематики была и значительная группа русских живописцев, среди них — несколько будущих передвижников и «академистов». Жанр стал столь популярным, что его последователи появились в нескольких крупных художественных центрах России помимо Императорской Академии художеств.

Работы ориенталистов объединяет скорее тематика, нежели география или стиль. Они отнюдь не представляют собой некую «школу». Тем не менее тематический анализ произведений этих мастеров должен быть дополнен стилистическим, поскольку творчество многих художников, черпавших вдохновение в Востоке, стало ответом на интеллектуальные, визуальные и политические вызовы эпохи.

Художники XX века вновь обратились к Центральной Азии. Спустя столетие после своих предшественников Павел Кузнецов, Сергей Светославский и другие мастера отправлялись в путешествия по Киргизии и Туркестанским степям, развивая тем самым своё чувство цвета и внимание к этнографическим деталям. Александр Николаев (Усто-Мумин), Николай Карахан и Александр Волков обладали в этом отношении необыкновенными способностями. Именно гений Волкова дал возможность русскому зрителю встретиться лицом к лицу с новой Средней Азией. Волков и Карахан представили то, что можно было бы назвать социальной историей, а это новый взгляд на русский ориентализм. Творческий и сугубо личный интерес Николаева к Востоку заметно превышает всё, что было характерно для ориенталистской школы XIX века. Изображая пришедшие в упадок цивилизации Туркестана, он связывал их с экономическими, культурными и политическими преобразованиями в его истории. Павел Радимов развивал эту тему — уже в рамках живописи АХРРа.

Леонид Алексеевич Писарев (1938 г.р.). Москвич. В 1962–1965 годах учился в Московском государственном художественном институте имени В.И. Сурикова в монументальной мастерской А.А. Дейнеки. В 1965–1998 годах работал как художник-монументалист. С 1960-х и по сей день занимается живописью. В начале 1970-х годов художник поселился на даче в Абрамцеве и создал серии работ, посвящённых месту, архитектуре, природе.

Пристальный интерес Писарева вызывает природа среднеазиатских республик, своеобразный быт и уходящие в глубокую древность культурные традиции. «Размышляя о своей любви к Востоку, я привязывал себя к восприятию религии как части культуры, — говорит художник. — Когда возвращаешься к истокам, начинаешь понимать обожествление природы, которое свойственно восточным людям. Речь о дохристианских и домусульманских истоках, которыми эти люди до сих пор дышат».

На выставке представлены работы 1960–2000-х годов, созданные на основе путешествий в Сибирь, позже в Среднюю Азию. Восток увлёк Писарева как нечто космическое, как бесконечность и «другая жизнь», в которой действуют свои законы и, соответственно, царят другие краски и ритмы.

«Все мои позывы к творчеству основаны на внутреннем протесте, — говорит художник. — Я никогда ничего не писал в русле так называемой “советской тематики”. Действительно, в работах, созданных в Сибири и Средней Азии, преобладают пейзажи и “вечные” мотивы — сушат табак, собирают орехи, режут тут, занимаются молотьбой, готовят пищу, нянчат детей и т.д.». На одном из пейзажей 1967 года изображён небольшой замкнутый двор, окружённый куполообразными строениями. В центре двора стоит бильярдный стол, но ни игроков, ни каких-либо иных признаков человеческого присутствия не наблюдается. Перед нами своего рода завораживающее самодостаточное пространство, не предполагающее внешнего вмешательства.

Живопись Писарева строится по собственным законам. Из всей многоцветной палитры художник выбирает лишь те цвета, которые ему по душе, особенно любит рисовать с оттенками охры и переливами голубого. Он намеренно приглушает цвет, не любит блестящих поверхностей, предпочитая благородную матовость фактуры. Что касается стилистики работ — в ней нет призрачных героев восточных картин. Лица людей, а также скифских и прочих идолов — это, как выразился художник, «не европейские мятые лица. А нечто более крепкое и конструктивное». Здесь, в Азии, это возвращение к естественному состоянию природы и человека, как прикосновение к чему-то подлинному, неподдельному, живому. Писарев всегда предельно открыт в своей художественной искренности. И, вместе с тем, никто из русских художников, обращавшихся к теме Востока, не видел его так трагично, как Леонид Писарев.

На выставке представлено около 50 произведений. Продлится выставка до 5 февраля.































ВЫСТАВКА ,,ДИНАСТИЯ,,



Время проведения: 4 декабря 2022 — 8 января 2023

Место проведения: отдел художественных ремёсел Музея-заповедника «Абрамцево»


4 декабря 2022 года в выставочных залах отдела художественных ремёсел Музея-заповедника «Абрамцево» начала работу выставка «Династия», которая знакомит с произведениями трёх поколений мастеров живописи художественной династии Лысенко-Терещенко.

Экспозиция, охватывающая большой временной диапазон — с конца 1950-х годов и до наших дней, ярко характеризует художественные поиски, стилистику, эмоциональную атмосферу различных периодов отечественного изобразительного искусства.

Художники династии Лысенко-Терещенко продолжают и развивают в своём творчестве лучшие традиции русской реалистической школы живописи. В жанровых и исторических произведениях, в пейзажах, натюрмортах и портретах талантливо и мастерски раскрываются разные грани их творчества.

На выставке представлены работы художников-живописцев:

Андрея Гавриловича Лысенко (1916–2001), Любови Андреевны Лысенко (1951 г. р.), Валентина Степановича Терещенко (1941–2021), Андрея Станиславовича Лысенко (1974 г. р.), Екатерины Анатольевны Линёвой (1972 г. р.).

Выставка обладает интересной особенностью — позволяет зрителям самим увидеть, как преломляется неиссякаемый источник традиции русской школы реализма и классического художественного образования через призму личности творца и как в результате этого рождается новая грань восприятия бытия. Художники, безусловно, влияют на формирование творческих взглядов друг друга, но при этом не останавливается поиск, формируется разная стилистика.

Представленные на выставке произведения художников династии Лысенко-Терещенко демонстрируют непрерывное развитие избранной линии в искусстве, хотя каждый автор глубоко индивидуален в своём творчестве.

Выставка «Династия» продлится до 8 января 2023 года.



















ВЫСТАВКА ,,ПАМЯТИ ЕЛЕНЫ ПРОРОКОВОЙ,,



Время проведения: 2 ноября 2022 года — 1 февраля 2023 года

Место проведения: экспозиция «Абрамцево. Искусство ХХ века», библиотека В.С. Манина


Дорогие друзья!

У вас есть уникальная возможность посетить Выставку памяти Елены Пророковой в библиотеке В.С. Манина (экспозиция «Абрамцево. Искусство ХХ века»). Здесь собраны станковые рисунки 1970−1980-х годов и материалы подготовительной работы к созданию мультипликационного кино: раскадровки, перерисовки на целлулоид, кадры. Целлулоид – прозрачная пластинка, использующаяся в традиционной анимации для изображения подвижных элементов сцены, особенно персонажей. Интересно, что целлулоидные кадры обычно не сохраняли — но в семье Пророковой этот уникальный материал (пленки легендарных советских мультфильмов) хранился.

Художник-постановщик и режиссёр мультипликационного кино Елена Юрьевна Пророкова (1948−2022) принимала в жизни Музея-заповедника самое деятельное участие. Она придумала рубрику «Наши близкие соседи» (художники поселка «Ново-Абрамцево», среднее поколение). Первой в рубрике стала её выставка «Когда анимация была ещё мультипликацией» (2017).

Своё становление как мультипликатора Елена Юрьевна вспоминала так: «ВГИК и студия «Союзмультфильм». Не оригинальничала – была оригинальна.

Когда мне было семь лет, я увидела «Снежную королеву», сошла с ума сразу. Я поняла, как она делается, эта анимация. Я захотела попасть в этот мир. Детская художественная школа, ВГИК, отделение художественной мультипликации, студийные курсы, ассистент на «Союзмультфильме». Работала ассистентом на «Коньке-Горбунке». А потом Роман Качанов взял меня в художники-постановщики. С ним работали очень хорошо, он много мне дал, мы ссорились, он говорил, что я больше режиссёр, чем художник, а два режиссёра существовать вместе не могут. Он меня просто заставил пойти на Высшие режиссёрские курсы. После их окончания я сделала две анимационные комедии, за которые меня гладили по головке Леонид Гайдай и Эльдар Рязанов, после одной картины меня похвалил Гарри Бардин и сказал, что я сделала «настоящее мужское кино». Я стала думать, что женское кино тоже существует, и поняла: хочу его делать, причём хорошее. Стала искать сценарии, думать о форме.

Мне кажется, я нашла какой-то женский язык и на нём могу говорить о политике и о культуре. Я считаю, что мужское начало ― разум, а уж потом, в лучшем случае ― интуиция. У женщин наоборот. Мужчина обдумывает, а уж потом чувствует, женщина чувствует, а уж потом обдумывает.

Я ― самый настоящий оптимист, мир логичен, прекрасен и добр, несмотря на отдельные его недостатки. Все недостатки ― комплексы, непонимание, страх ― можно понять и простить... Слова, поэзия, музыка, отдельная фраза часто оставляли во мне глубокий след, например, фраза Тонино Гуэрры «Надо стремиться к большему, чем банальное совершенство».

Выставка работ Елены Юрьевны Пророковой будет работать до 1 февраля 2023 года.


















ВЫСТАВКА ,,Т.И. СЕЛЬВИНСКАЯ. ДИАЛОГ С МАЛЕВИЧЕМ,,



Место проведения: Отдел «Абрамцево. Искусство XX века» (Цокольный этаж)


Татьяна Ильинична Сельвинская — живописец, сценограф, поэт. Заслуженный деятель искусств России, Лауреат Государственной премии России.

Родилась в Москве 2 ноября 1927 года в семье поэта Ильи Сельвинского. 1953 год — окончила Московский государственный художественный институт им. В. Сурикова. 1954 год — член МОСХа. 1964 год — член ВТО, ныне Союз театральных деятелей.

Учителя — Роберт Фальк, Александр Тышлер, Михаил Курилко-старший.

1954 год — первая выставка. 1956 год — первый спектакль. С 1956 года — более 150 спектаклей в ведущих театрах Москвы: Театр на Таганке, Ленком, театр им. В. Маяковского, театр им. Е. Вахтангова, театр им. А. Пушкина, театр им. Е. Симонова, ТЮЗ, РАМПТ, театр Советской Армии, а также в городах Советского Союза — от Одессы до Магадана.

Работала с режиссёрами: Н. Охлопковым, П. Фоменко, М. Левитиным и другими.

Начиная с 1956 года — участник всех республиканских, зональных, московских выставок в Манеже, Москва. Участник почти всех театральных выставок «Итоги сезона», Москва, квадриеннале в Праге, биеннале в Сан-Паулу, Бразилия, триеннале в прибалтийских республиках.

1966–1978 — заведующая театральным отделением МГХУ памяти 1905 года, выпустила более 100 учеников.

Выпустила шесть сборников стихов.

«Диалог с Малевичем» — название выставки живописных произведений Татьяны Сельвинской, объединяющей серии «Диалог с Малевичем», «Ритмы жизни», «Художник», «Три Арт». Картины написаны в 2019–2020 годах.

Казимир Северинович Малевич (1879−1935) — основоположник супрематизма, направления в живописи, возникшего в 1910-е годы в России. Супрематизм — искусство, пришедшее на смену кубизму. Если передача трёхмерности натуры схематизированными объёмами называлась кубизом, то супрематично изобразить природу — значило взять от неё только цвета, заключить их в двухмерную плоскость и подчеркнуть простыми формами (квадратом, кругом, треугольником) самостоятельность цвета. «Supremus» — превосходный, что, по мысли супрематистов, приравнивалось к господству живописи над натурой.

Татьяна Сельвинская к своим беспредметным композициям относится не как к символу, а как к художественной форме. Пластический опыт Малевича на каком-то этапе показался ей интересным в решении красочных задач. Простые формы: прямые и круглые плоскости, без всякого содержания, — помогают Сельвинской быть свободной в искусстве цвета.

Холсты полиптиха «Диалог с Малевичем» (2019) построены в чистом живописном ритме (не путать с интеллектуальным ритмом, вопрос «что?» в данном случае не работает). Художник передаёт движение цветовой массы (радуги) и оперирует языком цветоформ, что само по себе близко к супрематизму. Сельвинская являет свой закон созвучности форм и цветов, свой вариант тяготения форм и цветов друг к другу, зависимости одних от других, гармоничности, ритмичности и контрастов.

В сериях «Художник», «Ритмы жизни», «Три Арт» (2020), балансирующих на грани беспредметности, Сельвинская также уходит с пути рассказа. Не реальный объект или явление в природе, как оно есть или было в действительности, а блестящая красочная гамма, которая звучит как музыка, и композиционный ритм, пробуждающий ассоциативное воображение, предлагаются художником зрителю.

Татьяна Сельвинская склонна к афоризмам, и однажды она сказала: «Мои великие предшественники — Коровин, Головин, Серов — внесли в театр живопись. Я же — в живопись вношу ТЕАТР».

Живопись Сельвинской легко и просто «играет в театр», потому что по природе своей, в самых своих началах она театральна. Можно сказать иначе: театр Сельвинской никогда не существовал отдельно от её станкового творчества, был не периферией живописи, но её продолжением и естественным развитием. Точно так же в живопись художника всегда входил театр: отнюдь не одними сюжетами и темами, но сутью своей и природой.

Последние по времени написания серии живописных работ — не исключение. Они «театральны» в своей пластической сути. И вот ещё что следует сказать… Чем свободнее ощущает себя Сельвинская в своём собственном мире, чем выразительнее, индивидуальнее заявляет о себе её живопись, тем всё более и более к ней приближается искусство иных мастеров и иных эпох.

Путь к себе оказывается у художника одновременно и путём к мировому искусству. При этом Татьяна Сельвинская (Тата, как любовно называл её отец Илья Сельвинский, и следом — все добрые друзья) не цитирует, не копирует, не подражает шедеврам. Здесь диалог, здесь воображение, и главное — здесь мир художника, готовый вместить в себя миры других творцов.





















 

 

 

АРХИВ СТРАНИЦЫ